Артём Гришин про фотографию

Зимняя тематическая фотосессия моей ученицы и выпускницы курса PRIME — Екатерины Козыревой.

Читая комментарии в соцсетях, часто встречаю мнение, что для создания интересного визуала в зимней съёмке нужно сильно заморочиться. Мол, не каждая студия может предложить небанальные зимние интерьеры, не каждый клиент готов вкладываться в стилистов, прически, макияж и реквизит.

Но я считаю это ограничивающим убеждением.

Возьмём, к примеру, фотографии, прикреплённые к этому посту.
Разве здесь есть сложный сюжет, дорогой реквизит или недоступные локации? Наоборот, всё очень просто: одежда наших родителей из конца 80-х, которую можно найти в кладовке или купить на «Авито» за копейки, фигурные коньки и бесплатный городской каток.

Соединив всё это, мы получаем тёплую зимнюю серию с лёгким винтажным настроением, которая вызывает приятные воспоминания и отправляет нас куда-то в детство.

А самое главное — такая съёмка способна выделить фотографа, создать интерес у клиентов и показать, что креатив не зависит от бюджета.

Это по сути костюмированная съёмка, в центре которой идея ностальгии. И, что особенно приятно, реализовать такую идею можно без особых затрат.

Поставь 🔥, поддержи работы Кати.

Почему зрелость преимущество фотографа?

С возрастом фотография становится честнее.

Ты уже не гонишься за тем, чтобы понравиться всем, не пытаешься доказать, что умеешь. В кадр постепенно проникает твой опыт, не только профессиональный, но и жизненный. То, как ты проживал отношения, как наблюдал за миром, как менялся сам, всё это начинает работать на твоё видение, а значит и на снимок.

Зрелость в фотографии это не про годы, а про насмотренность и внутреннюю устойчивость.

Когда ты младше, ты ищешь, пробуешь, копируешь. Это важный этап, так ты набиваешь руку. Но со временем появляется другое, понимание сути. Ты уже чувствуешь, где ложный жест, где неестественная эмоция, а где кадр можно было бы не делать вовсе.

Опыт делает фотографа наблюдательнее.

Ты начинаешь замечать детали, которые раньше проходил мимо: свет на лице, неуверенное движение руки, игру света и тени, городские сюжеты. Эти мелочи формируют визуальную интонацию, которой невозможно научиться из уроков, её можно только прожить.

К тому же с годами ты начинаешь понимать зрителя. Не в смысле подстраиваться, а в смысле чувствовать, что действительно откликается людям, а что остаётся просто красивой картинкой. Это знание приходит из жизни: разговоров, хороших и не очень событий, чужого жизненного опыта, фильмов, книг, наблюдения за миром. И в какой-то момент твой опыт сливается с фотографией и твои работы становятся отражением тебя.

Возраст даёт то, чего не может дать техника — глубину взгляда. Ту самую, из-за которой даже простая фотография становится значимой.

Так что зрелость, не помеха, а преимущество. Она делает снимки не просто красивыми, а настоящими.

На фотографии Даша.
Снимал на Sony a7 III + 35mm 1.4

Поставьте 🔥, если тема поста откликается вам.

Серия портретов моей ученицы Яны Руге в стиле Родни Смита.

Кто-то может подумать: зачем копировать чужой стиль и идеи, почему бы не придумать свои?

Не бойся подражать, скажу я тебе. Копировать чужой стиль на этапе обучения это абсолютно нормально.

Подражание — это естественный этап на пути к собственному авторскому стилю. Оно учит видеть глазами другого автора, понимать его логику, последовательность действий и творческое мышление.

Обычно подражание начинается с формы: композиция, свет, позы, образы, обработка. Но важно помнить, что копировать можно не только форму, но и содержание: идеи, сюжеты и смыслы, заложенные в кадр. Настоящий творец умеет рефлексировать и переосмыслять увиденное. Так рождаются новые смыслы и идеи на основе уже существующих.

Такой подход развивает наблюдательность и вкус. Ты учишься думать как художник, анализировать, задаваться вопросами, над которыми раньше не задумывался. Это мощная питательная среда для ума и источник вдохновения. И эту среду осознанно создаешь ты сам через собственный интерес, насмотренность, эксперименты удачные и не очень. Одним словом, всё есть опыт, на основе которого творит автор.

Поэтому не стоит бояться повторять. На старте это не признак отсутствия оригинальности, а путь к пониманию себя как автора.

Ставьте 🔥, поддержите Яну.

Нерезкий кадр: ошибка фотографа или осознанный приём? Где проходит граница между браком и творческим решением?

Работы моей ученицы Юлии Волковой, выпускницы курса Prime.

Посмотрите на эту серию. Она неидеальна в привычном смысле: где-то есть смаз, где-то лёгкое зерно, где-то кадр уходит из фокуса.

И вот главный вопрос: что считать «идеальной фотографией» и нужно ли вообще стремиться к этому состоянию?

Теперь разберёмся.

В зимних съёмках сама среда диктует свои условия: рассеянный свет, плотный воздух, движения становятся непредсказуемыми. Попытка удержать каждую сцену в техническом идеале часто работает против результата. Многие фотографы продолжают стремиться к максимальной резкости и строгой композиции, хотя творческая практика говорит о другом. Не всегда техническая чистота делает кадр сильнее.

В этой серии смаз и расфокус появляются не случайно. Юлия снимала живое движение: поднятые руки, шаги по снегу, повороты, порывы ветра. В таких ситуациях лёгкий шейк перестаёт быть ошибкой и превращается в часть визуального языка. Он помогает передать ощущение момента, холод, динамику и естественность происходящего.

Когда смаз уместен:
• Есть движение и камера фиксирует траекторию, а не абсолютную заморозку.
• Важнее эмоциональное состояние, а не микродетали.
• Присутствует стилистический замысел, например атмосферность или лёгкая небрежность.
• Свет мягкий и рассеянный, и ультра-резкость выглядит не к месту.

Когда смаз не работает:
• Движения нет, а изображение всё равно «плывёт».
• Расфокус выглядит случайным и не поддерживает композицию.
• Эффект воспринимается зрителем как технический брак.

Зерно подчиняется тем же правилам. В холодных условиях оно добавляет глубину и подчёркивает атмосферу, если используется осознанно.

Итог простой: приём уместен, когда он усиливает идею и настроение кадра.

Творчество не обязано быть идеальным. Оно должно быть живым и работать на историю. Эта серия наглядно показывает, как это может выглядеть.

Поставьте 🔥, поддержите Юлю.

Сегодня хочу разобрать тему чёрно-белых фотографий. Точнее, хочу ответить на вопрос: когда действительно стоит переводить снимки в монохром и когда это работает, а когда нет. К посту прикрепил четыре свои ЧБ работы.

В начале своего творческого пути я интуитивно переводил фотографии в ЧБ. Иногда это давало сильный результат, и кадр смотрелся по-особенному, а иногда — нет. Только со временем я выявил закономерность, опираясь на которую гораздо легче понять, когда чёрно-белый вариант действительно усиливает фотографию.

И вот, что стоит учитывать.

1. Смысловое наполнение кадра

Цвет часто берёт на себя внимание зрителя. Яркие тона или тонировки могут «вытянуть» кадр даже при слабом сюжете.
В ЧБ всё иначе: на первый план выходит содержание — история, герои, эмоции, контекст. Одним словом, смысл становится важнее формы.
Если смысл — главный элемент кадра, монохром только усилит его.

2. Ритмика и движение

ЧБ особенно органична там, где есть действие. Репортажные, динамичные сцены с эмоциональным напряжением воспринимаются острее, когда в кадре нет лишнего цвета. Внимание не рассеивается, и ритм становится понятнее и чище.

3. Формы и композиция

Когда мы убираем цвет, композиционные линии сразу становятся заметнее.
Формы, силуэты, контрастные плоскости начинают работать как самостоятельные элементы сюжета. Монохром помогает «собрать» кадр и упростить визуальный язык.

4. Эмоции

Эмоции — последние в списке, но не по значимости. Когда свет и контраст подчёркивают состояние героя, воздействие снимка усиливается в разы. Особенно хорошо это работает в крупнолицевых портретах, где важна каждая мельчайшая деталь выражения.

ЧБ-фотография помогает взглянуть на изображение иначе: сфокусировать зрителя на сути, выделить главное, подчеркнуть настроение и характер героя.

Но важно помнить: иногда кадр держится именно на цвете. И если убрать его, снимок действительно потеряет опору. Поэтому лучший вопрос, который стоит себе задать: есть ли у кадра чем «держаться», если перевести его в ЧБ?

Поставьте 🔥, если хотите больше постов с полезными рекомендациями по фотографии.

Свет в фотографии — это не просто технический параметр.

Это инструмент управления эмоцией. Одним светом можно сделать кадр лёгким и воздушным, другим — напряжённым и драматичным.

Высокий и низкий ключ — это два принципиально разных подхода к работе со светом. Первый создаёт ощущение чистоты, мягкости и пространства. Второй добавляет глубину, контраст и характер. И очень часто фотографы используют их интуитивно, не до конца понимая, как именно это работает.

В коротком уроке я разбираю, что такое высокий и низкий ключ, как их выстраивать на практике и в каких задачах каждый из них уместен.

Посмотрите урок и попробуйте применить приёмы уже на ближайшей съёмке. Свет — это язык, и чем лучше вы им владеете, тем сильнее будут ваши фотографии.

Поставьте 🔥, если хотите больше коротких видео уроков в блоге.

Работа с человеком в кадре — один из самых важных навыков фотографа.

Но большинство испытывают здесь трудности: не знают, как поставить модель, как избежать зажатости и добиться естественности в позе и выражении.

За 50 секунд в ролике я разобрал несколько простых приёмов, которые помогут вам увереннее работать с людьми и создавать живые, естественные кадры.

Ставьте 🔥, если хотите больше приемов по позированию.

Работы моей ученицы Юлии Волковой.

Юля действующий и успешный свадебный фотограф, который зарабатывает на съёмках и строит свой личный бренд. И да, она выпускница моего курса PRIME.

Эти кадры хороший пример того, какой может быть современная свадебная фотография, когда фотограф думает не только о «красиво», но и о смысле, атмосфере и ощущениях.

Свадьба — это всегда хаос. Эмоции, движение, смена света, десятки людей и нет права на ошибку. И сила этих работ в том, что Юля не пытается всё контролировать, а работает внутри момента.

Обратите внимание на детали.

Крупные планы рук, ткани, прикосновений — они создают интимность и ощущение близости. Это не просто «декор», это язык чувств. Свет здесь не вылизанный, а живой. Тени, тёплые источники, свечи всё это усиливает атмосферу, а не отвлекает от истории.

Постановочные кадры выглядят спокойно и естественно, а репортажные — честно. Нет ощущения натянутых эмоций или игры на камеру. Даже общие планы с танцами и гостями остаются читаемыми по настроению: ты чувствуешь ритм вечера, а не просто смотришь на красивую картинку.

Это как раз тот случай, когда свадебная фотография перестаёт быть набором «обязательных кадров» и превращается в цельную историю дня. Историю про людей, а не про платье, ресторан и декор.

Юля хорошо чувствует баланс между эстетикой и жизнью в кадре. И это один из ключевых навыков, который отличает фотографа, просто снимающего свадьбы, от фотографа, к которому хотят возвращаться и рекомендовать.

Супер сила фотографа в том, что бы снимать жизнь, ловить настоящий момент и подчеркивать эмоции в своих работах. Это то, что ценится сегодня в фотографии больше всего.

Поставьте 🔥, поддержите Юлю, если вам откликаются её работы и такой подход к свадебной фотографии.

Так ли важна фототехника в фотографии?

Фотография - это в первую очередь про взгляд автора. Про то, как он видит человека, пространство и момент. Камера здесь вторична. Она лишь фиксирует то, что уже сложилось в голове и ощущениях фотографа.

Фотографии в этом посте сняты моей ученицей Ириной Гринько. И сняты они на плёночную Fujifilm 35 mm, ту самую «мыльницу», на которую наши родители фотографировали семейные застолья и поездки в начале 90-х. Без автофокуса, без идеальной резкости, без технических наворотов.

Но это не мешает кадрам быть живыми. Наоборот, часто технические несовершенства делают снимки настоящими.

Здесь работает авторское видение. Умение чувствовать человека в кадре, пространство, паузы между движениями. В этих фотографиях нет попытки «показать технику», зато есть внимание к телу, пластике, взгляду, уязвимости и состоянию. Свет простой, композиция лаконичная, но за счёт этого фокус остаётся на главном — на эмоции и присутствии.

Виденье автора влияет на многие факторы в фотографии, будь то выбранный момент для съемки, дистанция до героя, пойманная эмоция или атмосфера созданная творцом.

Именно поэтому хорошие фотографии можно снимать на что угодно. И не стоит забивать себе голову дорогими фотоаппаратами и объективами. Без твоего авторского виденья, дорогие объективы так и останутся просто дорогими объективами.

Вывод простой: сначала формируется взгляд, вкус и способность чувствовать. Эти навыки приходят к фотографу с практикой, поэтому просто нужно снимать как можно больше и чаще.

Поставьте 🔥, поддержите работы Ирины.

Стилизация в фотографии - тема, вокруг которой до сих пор много споров.

Кто-то считает, что «чистый кадр» важнее , что фотография должна быть самодостаточной и не нуждаться в дополнительных слоях. А кто-то, наоборот, использует надписи, штрихи, маркеры, скотч, рваную бумагу как часть визуального языка.

Стилизация уместна там, где фотография это не просто фиксация реальности, а способ высказывания. Там, где важен характер, настроение и образ. Музыка, сцена, мода, артисты, актёры это среды, в которых визуал изначально живёт по законам образа.

Когда ты снимаешь музыканта или артиста, ты продаёшь не только внешность. Ты продаёшь ощущение, вайб, идентичность. И стилизация в таком случае работает как усилитель. Она помогает подчеркнуть дерзость, иронию, напряжение, хаос или, наоборот, собранность. Делает кадр ближе к плакату, обложке, афише. К образу, который хочется запомнить.

Хороший пример это работы моего ученика Владимира Филина.

Он снимает музыкантов, артистов, актёров, делает им портфолио, и с ним активно сотрудничают. В его съёмках стилизация не декоративная случайность, а часть авторского почерка. Маркерные линии, стрелки, графика поверх кадра как продолжение фотографии. Это логичное развитие образа, а не попытка «спасти» слабый кадр.

На фотографиях, которые вы видите в посте, группа NLO. И здесь как мне кажется стилизация работает. Она усиливает ощущение от музыки музыкальной группы - противоречивое но интересное. Эти кадры сложно представить «чистыми», без графики они потеряли бы часть своей энергии.

Важно понимать одну вещь.

Стилизация не заменяет фотографию и не спасает её. Она работает только тогда, когда под ней есть сильный базовый кадр и понятное авторское видение.

В случае Владимира это ещё и про результат и собственный авторский подчерк, который ценят его клиенты. Он снимает только ивенты и портреты, работает в своём стиле и в среднем зарабатывает около 250 000 - 400 000 рублей в месяц. Не потому что рисует поверх фотографий, а потому что нашёл визуальный язык, который востребован именно в его нише.

Вывод простой.

Стилизация это инструмент. В одних жанрах он будет лишним, в других необходимым. Вопрос не в том, можно или нельзя, а в том, зачем ты это делаешь и что именно хочешь сказать своим кадром. Если стилизация усиливает смысл, она имеет полное право на существование.

Поставьте 🔥 , поддержите Владимира.

Как удачно сфотографировать группу людей. Рассказываю в коротком видео уроке.

Двойной портрет — один из самых сложных и недооценённых форматов в портретной фотографии.

Здесь важно не просто поставить в кадр двух людей. Нужно выстроить между ними связь и иерархию. Показать не отдельных персонажей, а их отношение друг к другу. И именно в этом месте чаще всего возникают сложности.

В коротком видео я разбираю, как подходить к съёмке двойного портрета, на что обращать внимание, какие приёмы работают, а какие ломают кадр. Без усложнений и теории ради теории, только практика и наблюдения из реальных съёмок.

Ставьте 🔥, если хотите больше коротких видео уроков.

Поза в фотографии говорит о человеке не меньше, чем взгляд или одежда.

По тому, как герой стоит, сидит или двигается, мы считываем его характер, состояние, внутреннее напряжение или расслабленность.

Угловатые, жёсткие позы часто ассоциируются с силой, контролем, собранностью. Они хорошо работают и с мужчинами, и с женщинами, когда нужно подчеркнуть характер и внутренний стержень. Плавные, мягкие линии, наоборот, передают текучесть, чувственность, уязвимость и чаще органично смотрятся именно в женском портрете.

Поза это язык тела. Большинства фотографов возникают сложности с позированием: люди выглядят зажатыми и неестественными.

В коротком видео я разбираю приёмы позирования и показываю примеры, которые помогают читать и управлять этим языком в кадре.

Поставьте 🔥, если хотите больше коротких видео уроков.

Что для меня идеальная фотография?

Раньше я думал, что идеальный снимок — это про технику, обработку, дорогую камеру и правильный свет. Но со временем понял, что всё это не имеет значения, если фотография не решает свою задачу.

Идеальный снимок — это тот, который делает то, ради чего он был создан. Если фотограф хотел вызвать эмоцию — и зритель её почувствовал, значит, снимок работает. Если цель — передать атмосферу, продать продукт, рассказать историю или заставить задуматься, и это происходит — значит, фотограф справился.

Неважно, насколько фото резкое, на что оно снято или как обработано. Важно одно — выполняет ли оно свою функцию. Можно сделать технически безупречный кадр, но если он пустой, он не имеет смысла. И наоборот — пусть фото будет несовершенным, но если оно решает задачу фотографа, для него оно идеально.

Ставьте 🔥, поддержите формат.

Подводный портрет — это всегда выход за пределы привычной фотографии. Здесь меняется всё: пластика тела, свет, динамика, сам контроль над процессом.

На этих кадрах работы Александра Чуликана, выпускника моего курса Prime, съемка для журнала INFRAME. И это отличный пример того, как можно работать с водой не как с эффектом, а как с полноценной средой.Есть два основных способа съёмки под водой.

Первый — фотограф ныряет вместе с моделью. Камера в гермобоксе, полное погружение в среду. Плюс такого подхода в свободе ракурса. Вы можете опускаться ниже модели, снимать снизу вверх, уходить в диагональ, работать с перспективой и глубиной. Но здесь появляется фактор непредсказуемости.

Второй способ - модель находится в прозрачном аквариуме, а фотограф работает снаружи. Это даёт больше контроля над светом и техникой. Можно использовать импульсный свет, выстраивать схему, точнее управлять экспозицией. Но при этом вы ограничены плоскостью стекла, и ракурс становится более фронтальным. Что касается ракурсов и планов. Под водой отлично работают средние и крупные планы. Вода сглаживает движение, делает жесты плавными, и за счёт этого портрет приобретает пластичность.

В работах Александра хорошо видно, как вытянутые руки формируют диагонали, как пузырьки воздуха создают дополнительную фактуру и ритм в верхней части кадра.

Свет - отдельная история. Вода «съедает» контраст и цвет, поэтому важно понимать, откуда приходит основной источник. Жёсткий направленный свет сверху даёт драматичный эффект, создаёт объём и подчёркивает текстуру ткани. Рассеянный свет делает кадр мягким и более медитативным. В чёрно-белом решении, как в этих работах, особенно проявляется игра света и формы. Уходит отвлекающий цвет, остаётся пластика и эмоция.

И самое важное - момент. Под водой невозможно полностью контролировать позу. Модель не может долго задерживать дыхание, ткань движется хаотично, пузыри появляются неожиданно. Но именно в этом рождается магия. Вы не снимаете статичный портрет, вы ловите состояние.

Поставьте 🔥, поддержите работы Александра.

Рассказываю за 50 секунд полезные приемы позирования для тех, у кого нет в этом опыта.

Ставьте 🔥, если хотите больше приемов по позированию.

По мотивам одного из прошлых постов выпускаю подборку моих любимых объективов в виде шпаргалки. Сделал упор больше не на технические нюансы, а на то, чем отличаются популярные фокусные расстояния, какое настроение они дают и для каких съёмок подходят лучше всего.

Ставьте 🔥, поддержите новый формат.

Что такое центральная композиция в фотографии? Показываю в примерах.

Часто замечаю в комментариях к работам разных авторов, особую нелюбовь обывателей к центральной композиции. Тем, кто не разбирается, опрометчиво кажется, что располагать объект в центре фотографии - моветон.

Однако, на деле все обстоит иначе. Центральная композиция может показаться примитивным приемом только в том случае, если другие составные элементы фотографии подобраны неудачно или неграмотно.

За 50 секунд рассказываю, что такое центральная композиция и как сделать удачный снимок при помощи этого приема. Ну и конечно, сопровождаю тезисы классными примерами.

По традиции ставьте 🔥, если пост был полезен.

6 важных свойств выразительного портрета.

Как думаете, есть ли разница между фотографией человека и его портретом?

На первый взгляд, может показаться, что нет, но вдумчивые фотографы найдут подвох в этом вопросе. Разница, конечно же, есть.

В чем она проявляется, и какими свойствами отличается портрет от обычного снимка человека, рассказываю в карточках.

Попробуйте выполнить задание в конце, чтобы прокачивать свою насмотренность.

Ставьте 🔥, если хотите больше постов в формате карточек.

За 60 секунд рассказываю и показываю наглядно про самый интересный и необычный ракурс в фотографии.

Ставьте 🔥, если были интересно.

Сюжет на фотографии — это самая слабая составляющая всех начинающих фотографов.

И, как вы понимаете, дело тут не в том, на какую фототехнику вы снимаете. Например, в 40х годах о цифровой фотографии речи идти не могло, чего уж там говорить, все снимки были черно-белыми. На первый план выходили навыки работы с его величеством сюжетом.

Посмотрите сами в коротком ролике, какие навыки важны для фотографа, чтобы получить выразительные черно-белые фотографии.

Ставьте 🔥, если тема создания интересных сюжетов на фотографии вам интересна.