Далёкое–близкое | Русское искусство за рубежом

Наталья ГОНЧАРОВА (1881–1962)
«Архангел Михаил», 1910

🇺🇲 Музей искусств округа Лос-Анджелес (США, Лос-Анджелес)

Техника: Масло на холсте
Размеры: 158,75 × 128,91 см
Источник поступления: приобретено на средства, предоставленные Джорджем Кукором в 1988 г.

⚓ Провенанс
1962: перешла по наследству Михаилу Ларионову от автора, Париж
1964: продана в коллекцию Д. Хьюза, Лондон
1988: передано в Музей искусств округа Лос-Анджелес

Архангел Михаил – глава Небесного воинства, небесный патрон всех знаменитых святых воинов – Георгия Победоносца, сотника Лонгина, Димитрия Солунского, Александра Невского, Ильи Муромца, Димитрия Донского… изображен Гончаровой верхом на огненном крылатом коне, но как обычный человек и воин – в простом металлическом доспехе, в рубахе и сапогах. Он предстает перед нами с победной трубой в левой руке и Священным Писанием в правой – в той, которой обычно держат меч.
Но Архангел – БЕЗ ОРУЖИЯ. Ибо именно Он – Архангел Михаил – вкладывает в праведно воюющих уверенность в победе силой Божественного Слова и Веры.

«В нас живет искра духа, она связана со всей душой. Это божественно. Она обращается к другим таким же искрам. Это стремление к творчеству».
(Н. Гончарова)

🗺️ Далёкое–близкое

Дмитрий ЛЕВИЦКИЙ (1735–1822)
«Портрет неизвестного в темно-зеленом»

🇰🇬 Национальный музей изобразительных искусств им. Гапара Айтиева (Кыргызстан, Бишкек)

Техника: Холст, масло
Размеры: 74 х 58 см

СТАНС К ДМИТРИЮ ГРИГОРЬЕВИЧУ ЛЕВИЦКОМУ
«Левицкий! начертав российско божество,
Которым седьм морей покоятся в отраде,
Твоею кистью ты явил в Петровом граде
Бессмертных красоту и смертных торжество.
Желая подражать парнасских сестр союзу,
Воззвал бы я, как ты, себе на помощь музу
Российско божество пером изобразить;
Но Аполлон его ревнует сам хвалить».
(И. Ф. Богданович, 1783)

🗺️ Далёкое–близкое

Выбрать хорошую книгу сейчас очень сложно, но мы нашли канал «Я сейчас читаю» где люди делятся своими впечатлениями от прочитанных произведений.

Здесь вы найдете множество рекомендаций и отзывов на книги разных жанров.
max.ru/yaseychaschitayu

Дмитрий ЛЕВИЦКИЙ (1735–1822)
«Портрет Дени Дидро», 1773

🇨🇭 Женевский музей искусства и истории (Швейцария, Женева)

Техника: Холст, масло
Размеры: 58 × 48,5 см

Описание
В 1773 году Дмитрий Левицкий написал портрет Дени Дидро — французского философа‑просветителя, который провёл в Петербурге пять месяцев, в основном беседуя с Екатериной II.

Художник создал образ Дидро, следуя той традиции, которая начала складываться в эпоху Просвещения: когда известных мыслителей, ученых и писателей изображали в естественной, домашней обстановке. Это касалось и одежды. Халат выглядел менее чопорно, чем парадный камзол, и лучше передавал атмосферу уединения, сосредоточенности на творчестве, что соответствовала духу времени – стремлению к простоте и искренности чувств. (Эта традиция перекочует в XIX век: можно вспомнить портрет Пушкина в халате кисти В. А. Тропинина 1827 ода). Итак, Левицкий пишет Дидро в халате, без парика, с заметными мешками под глазами. И эти подробности позволяют создать не парадный, но живой, по‑человечески понятный образ уже немолодого философа.
Предполагается, что Левицкий писал портрет с натуры. Это согласуется со взглядами самого Дидро: философ высоко ценил портретное искусство и настаивал на правдивости изображения. Его собственные слова хорошо отражают сложность задачи, стоящей перед портретистом:
«…у меня лицо, которое обманывает художника: то ли сочетается в нём слишком много, то ли впечатления моей души очень быстро сменяются и отражаются на моём лице, но глаз художника меня не находит одним и тем же в разные минуты, его задача становится гораздо более трудной, чем он это предполагал».

Два известных портрета Дидро, созданных французскими художниками Луи-Мишелем ван Лоо (1767) и Жаном Оноре Фрагонаром (1769), считаются психологически менее убедительными, чем портрет кисти Левицкого. Первый
из них (написанный ван Лоо) Дидро даже подверг публичной критике.

«Дидро Левицкого — стареющий усталый человек, болезненно впечатлительный и напряженный во внутреннем неосознанном ожидании тех впечатлений, которые неустанно приносит ему жизнь».
(Нина Молева, искусствовед)

«Он (Левицкий) был простодушным, с легким оттенком безвредной хитрости человеком; изображая Дидро, он постарался подчеркнуть в нем «брехуна», но его мало занимал громадный ум философа».
(Александр Бенуа, критик)

🗺️ Далёкое–близкое

Марк ШАГАЛ (1887–1985)
«Мост Пасси и Эйфелева башня», 1911

🇺🇲 Метрополитен-музей (США, Нью-Йорк)

Техника: Холст, масло
Размеры: 60.3 x 81.3 см
Источник поступления: приобретено у галереи Лок, Нью-Йорк, Робертом Леманом, Нью-Йорк, в марте 1966 года.
Подпись: внизу по центру: Марк Шагал, 1911 год
В настоящее время не экспонируется

«В Париже я всему учился заново, и прежде всего самому ремеслу.
Повсюду — в музеях и выставочных залах — делал для себя открытия. <…>
Никакая академия не дала бы мне всего того, что я почерпнул, бродя по Парижу, осматривая выставки и музеи, разглядывая витрины.
Но легче всего мне дышалось в Лувре.
Меня окружали там давно ушедшие друзья. Их молитвы сливались с моими. Их картины освещали мою младенческую физиономию. Я как прикованный стоял перед Рембрандтом, по многу раз возвращался к Шардену, Фуке, Жерико».
(М. Шагал, «Романом своей жизни»)

🗺️ Далёкое–близкое

Марк ШАГАЛ (1887–1985)
«Букет с летающими влюбленными», 1934–1947 гг.

🇬🇧 Галерея Тейт Сент-Айвс (Сент-Айвс, Великобритания)

Техника: Холст, масло
Размеры: 130.5 x 97.5 см
Источник поступления: приобретено в 1948 г.

⚓ Провенанс
Приобретено у Иды Мейер-Шагал (Фонд Клеве) в 1948 году.

Описания музея Тейт
Эта картина была приобретена в 1948 году на выставке Шагала в галерее Тейт. Сам Шагал рассказал составителю каталога выставки, что работа над картиной началась в Париже, вероятно, еще в 1933-34 годах, когда он писал ряд натюрмортов с цветами; он работал над ней с перерывами в течение многих лет, и данная композиция, должно быть, является третьим или четвертым вариантом.

Первая версия типична для идиллических композиций Шагала, изображающих влюбленных, ликующих от счастья. Однако, когда он приступил к переписыванию полотна в 1947 году, его первая жена Белла умерла, и он переживал период траура. Как он заявил перед картиной в январе 1953 года, «Букет с летающими влюбленными» — одна из группы работ, выражающих его чувства утраты и ностальгии; деревня справа — Витебск, его родина. Кажется, здесь присутствует явный намек на брак: Белла в свадебном платье врывается на картину, словно комета (а также бесплотный дух), сам Шагал поворачивается, чтобы обнять ее, когда они движутся к открытым окнам дома, где скрипка с головой, наполовину человеческой, наполовину ослиной, создает атмосферу счастья. Но на заднем плане драматическое появление кукарекающего петуха, кажется, указывает на течение времени и возвращение к реальности.

Когда художника попросили дать подробное объяснение содержания, он ответил:

«Скажем так, я работаю без каких-либо явных символов, а как бы подсознательно. Когда картина закончена, каждый может интерпретировать её по своему желанию».

🗺️ Далёкое–близкое

Иван АЙВАЗОВСКИЙ (1817–1900)
«Вечер в Каире», 1870

🚩 Частная коллекция

Техника: Холст, масло
Размеры: 110 × 132 см

⚓ Провенанс
1870–1940-е гг.: частная коллекция Н.И. Дедова
1940-х—1956 гг.: частная коллекция И.И. Носенко (министр судостроительной промышленности СССР) (Москва, СССР)
1956–1997 гг.: по наследству перешла к вдове Т.Г. Носенко (Москва, Россия)
1997–2015 гг.: — неизвестные лица (в 1997 картина была похищена и числилось в базах розыска МВД РФ и Интерпола)
Июнь 2015 г.: — аукционный дом Sotheby's (Лондон, Великобритания): картина выставлена на торги зарубежным коллекционером; после официального протеста Росохранкультуры и требований наследников семьи Носенко лот снимается с публичного аукциона
Июнь 2015 г.– настоящее время: частная коллекция.
Между анонимным продавцом (держателем картины) и адвокатами наследников Носенко заключается мировое соглашение. Sotheby's выступил посредником: покупателю / держателю юридически «очистили» права на картину, а законным наследникам была выплачена денежная компенсация. Шедевр остался в зарубежной частной коллекции, его точное местонахождение сегодня засекречено.

🗺️ Далёкое–близкое

Иван АЙВАЗОВСКИЙ (1817–1900)
«Караван в оазисе. Египет», 1871

🇺🇲 Собрание А. Шагиняна, (США, Нью-Йорк)

Техника: Холст, масло
Размеры: 75 x 92 см
Надпись: внизу справа: Айвазовский, 1871

Описание
17 ноября 1869 года случилось событие, изменившее мировую навигацию: для судоходства открыли Суэцкий канал. Проложенный сквозь египетские пустыни, он соединил Средиземное и Красное моря и стал условной границей между Африкой и Евразией.

Такое событие просто не мог пропустить Иван Айвазовский — в свои 52 года он оставался бесконечно любознательным и жадным до новых впечатлений. Художник приехал в Египет в составе русской делегации и стал первым в мире маринистом, запечатлевшим Суэцкий канал на холсте.

«Караван в оазисе. Египет» — это редкий случай, когда вместо привычной морской стихии Айвазовский обратился к бескрайним просторам пустыни. Здесь вместо привычных кораблей — караван, остановившийся на привал под раскидистыми пальмами: запряженные верблюды, погонщики в восточных одеждах, тюки с товаром. А на горизонте едва проступают очертания пирамид — как напоминание о вечном величии Древнего Египта.

«Когда русский пароход входил в Суэцкий канал, шедший впереди его пароход французский сел на мель, и пловцы принуждены были переждать, покуда тот снимется. Эта остановка длилась часов пять.
Была прекрасная лунная ночь, придававшая какую-то величавую красоту пустынным берегам древней страны фараонов, отторгнутой каналом от азиатского берега».
(из воспоминаний И. Айвазовский)

🗺️ Далёкое–близкое

Илья РЕПИН (1844–1930)
«Крестный ход в дубовом лесу. Явленная икона», 1877-1924

🇨🇿 Галерея в Градец-Кралове (Чехия)

Техника: Холст, масло
Размеры: 178 х 285 см

«Людeй, нe пocвящeнныx в живoпиcь, cлyчaлocь мнe пoдвoдить к лyчшим coздaниям Рeмбpaндтa, Вeлacкeca, Тициaнa; шиpoкo pacкpыв глaзa,они чиcтocepдeчнo yдивлялиcь и нe вepили, кoгдa я гoвopил, чтo этo caмые зaмeчaтeльныe пpoизвeдeния живoпиcи. Тoлькo cпeциaлиcт или чeлoвeк c oчeнь paзвитым вкycoм пpeдпoчтeт «Вeнepy Милoccкyю» пpeкpacнo oтдeлaнным cyxим pимcким статуям».
(И. Репин,«Далекое близкое»)

🗺️ Далёкое–близкое

Илья РЕПИН (1844–1930)
«Портрет Н. И. Репиной», 1895

🇺🇿 Государственный музей искусств Узбекистана (Ташкент, Узбекистан)

Техника: Холст, масло
Размеры: 98см x 79 см
Подпись: вверху слева: 1895 И. Репин

Описание
Надежда Ильинична Репина (1874–1931) — дочь знаменитого художника Ильи Ефимовича Репина. В семье её ласково называли «парижанкой», потому что она родилась в Париже во время пенсионерской поездки отца.
Илья Репин очень любил дочь и начал писать ее портреты, когда она была еще маленькой. На данном портрете ей 21 год. Это серьезный, самостоятельный человек, уже успевший окончить Рождественские женские курсы лекарских помощниц в Петербурге — первое в стране училище для подготовки квалифицированных медсестёр.
В течение 15 лет Надежда Ильинична будет работать в земских больницах Петербурга. Будучи очень ответственным и самоотверженным человеком, она выезжала на борьбу с эпидемиями в отдалённые губернии России. В начале 1910 года, во время очередной командировки, она тяжело заболела, заразившись тифом. В результате полученных осложнений у нее развилось тяжёлое нервное расстройство, которое не позволило ей вернуться к активной жизни. Последние годы жизни Надежда Ильинична провела с отцом в его усадьбе «Пенаты» в Куоккале (Финляндия), пережив Илью Ефимовича только на полгода.

Репин пишет дочь, освещенную ярким солнечным светом. У Надежды достаточно короткая стрижка, что совсем не типично для того времени, но оправдано дважды: и тем, что она с детства – счастливая обладательница кудрявых волос, но также и характером ее деятельности (она – и фельдшер, и медсестра, вынужденная ездить по стране; а за длинными волосами в командировках сложно ухаживать). Девушка очень современно одета. На ней нарядная алая блуза с белыми полосками – модный фасон, который назывался «голубиная грудка»: от гофрированного воротника–стойки на грудь спускался целый каскад рюшей и ленточек. К этому делались очень пышные рукава-жиго. Суть кроя была в том, что рукав был широким у плеча, а к кисти постепенно сужался. Вместе эти элементы — напуск «голубиная грудка» и объёмные рукава — создавали характерный для модерна женственный силуэт и несколько театральный образ.
Репин вольно или невольно создает портрет очень привлекательной юной девушки, который держится на противоречиях. Модная и очень женственная блузка и … почти мальчишеская стрижка.
Тонкие и красивые черты нежного лица и … печать взрослой сосредоточенности и серьезности на лице как его психологическая доминанта.
Надежда не позирует в классическом смысле слова: Репин пишет ее лицо в профиль. Если долго всматриваться в выражение лица и переводить взгляд то на одну руку, то на другую, делается совершенно очевидно: человек каждую секунду знает, что «сидит для портрета». Более того: возникает впечатление, что Надежда думает только об одном:
долго ли еще сидеть, и когда это уже закончится. Но она настолько ответственный человек, что, видимо, скромно спросит, когда совсем устанет: «Пап! Долго ещё?»…

🗺️ Далёкое–близкое

Константин КОРОВИН (1861–1939)
«Итальянский бульвар», 1929

🇲🇫 Музей Орсе (Франция, Париж)

Техника: Холст, масло
Размеры: 32 × 41 см
Источник поступления: приобретена в 1932 г.
Подпись: внизу справа: K. Korovin 1929 Paris
В настоящее время не экспонируются

⚓ Провенанс
1932: приобретено государством у художника для музея Жё де Пом.
1932–1946: Лувр Же де Пом, затем Музей иностранных школ.
1946–1981: Национальный музей современного искусства
1981: передана в отдел живописи Лувра для пополнения коллекций Музея Орсе

«Живой глаз, борода развевается ветром, он быстро кладёт мазки кистью. На полотне нарождаются между мазками и благодаря искусной технике террасы кафе, игра разноцветных вывесок, фонарей, афиш... Развивая свой художественный почерк, русский импрессионист сочетал импульсивность русского искусства с гармоническим благоразумием французского искусства».
(французский журналист О. де Клем о К. Коровине)

🗺️ Далёкое–близкое

Константин КОРОВИН (1861–1939)
«Вид на Париж ночью», 1923

🇬🇧 Музей Эшмола (Великобритания, Оксфорд)

Техника: Холст, масло
Размеры: 33 × 41 см
Источник поступления: передано в дар доктором Татьяной Гурланд в 1960 г.
Подпись: внизу справа: Constant Korovine Paris

Описание
Отдельное место в творчестве Константина Коровина занимал Париж. В 1923 году Коровин поселился в Париже, как думал – временно, но прожил там 16 лет, вплоть до своей смерти.

Художник создал много пейзажей французской столицы, в том числе,  и «Вид на Париж ночью». Картина была написана с натуры на острове Сите, с узнаваемым по сей день комплексом зданий. Эффект ночного освещения от фонарей, вывесок и окон, – того разнообразного по цвету света, который отражается и множится в мокрой поверхности булыжника площади, приводит к иллюзии речной ряби. Благодаря свободной манере письма создается сказочное впечатление – всё в пейзаже живёт и находится в постоянном движении: дрожат разноцветные отражения и блики света в неровной поверхности площади, дышит мелкими облачками и тучками небо. Сама техника письма напоминает работы поздних импрессионистов, работавших в Париже в тот период, но способность создавать не только дневные, но и ночные городские пейзажи делает творчество Коровина особенным, а его «ноктюрны»  уникальными. 

В 1929 году  эта картина (в ряду других) была представлена на персональной выставке Константина Коровина «Впечатления Парижа», открывшейся в Париже в галерее «Кольбер». Считается, что эта работа была высшей точкой в выставочной деятельности художника. Именно в 1929 году Коровин переживает взлет творческой активности и оказывается в центре художественной жизни Парижа и внимания критиков. Однако это не приносит художнику ни материального достатка,  ни душевного покоя. 

→ О ночном Париже Коровина

«Конечно, хотя я пишу и Париж, пишу красками и нахожусь в Париже, но душой живу больше в Охотине, — писал художник, — и вижу, как теперь опали листья сада, пахнет сыростью, землёй и осенними листьями, а в бочку кладут рубленую капусту и засаливают грузди, и будто я ем рыжики в сметане. У сарая нахохлились от дождя куры. Дорога грязная, и в воздухе слышен запах дыма от овина, и стучат цепи — молотят рожь».
(из письма К.А. Коровина — Ф.Ф. Шаляпину от 27 октября 1938 года, Париж)

🗺️ Далёкое–близкое

Казимир МАЛЕВИЧ (1879–1935)
«Зимний пейзаж», 1930

🇩🇪 Музей Людвига (Германия, Кёльн)

Техника: Холст, масло
Размеры: 48,5 × 52 см
Подпись: внизу справа: К. Малевич 1909
В настоящее время не экспонируются

«Наша современность должна уяснить себе, что не жизнь будет содержанием искусства, а содержанием жизни должно быть искусство, ибо только с этим условием жизнь может быть прекрасной».
(К. Малевич, «Живопись в проблеме архитектуры», 1928)

🗺️ Далёкое–близкое

Казимир МАЛЕВИЧ (1879–1935)
«Мужчина в супрематическом пейзаже», 1930

🇦🇹 Галерея Альбертина (Австрия, Вена)

Техника: Холст, масло
Размеры: 98 × 78 см
Подпись: внизу слева: КМ; на оборотной стороне: К. Малевич, 1915 Москва, Кунцево

Описание музея Альбертины (данное с уточнениями):
В начале 1920-х годов Казимир Малевич временно отошел от творчества и  сосредоточился на теоретическом обосновании своей революционной теории искусства и передаче её молодому поколению. Однако, начиная с  конца 1929 года и вплоть до своей смерти в 1935 году, он много и активно пишет маслом. Примерно 80 картин, созданных им за эти несколько лет, включая и данную работу, искусствоведы называют «постсупрематическми». 
По сути, художник отказывается от прежних смелых поисков, связанных с полным уходом от предметности. Предметная реальность (фигуры людей, дома, пейзажи) возвращается в образный строй его картин. Этот радикальный стилистический сдвиг можно понять, если  вспомнить об изменившейся после смерти Ленина политической ситуации. С приходом  Сталина к власти официальная культурная политика получила новое направление. Авангард больше не получал поддержки. Единственным официально одобряемым художественным методом объявляется социалистический реализм.
Вернувшись из Берлина в 1927 году, где ему была посвящена крупная ретроспектива, Малевич оставляет свои супрематические картины у друга в Германии, но это, как окажется позже, ему не помогло. Осенью 1930 года он будет арестован по подозрению в политической неблагонадежности и на несколько недель взят  под стражу. Этот драматический опыт отчасти зашифрован в данной большеформатной картине. Безликая в буквальном смысле фигура крестьянина в простой русской рубашке может служить автопортретом художника, но и символом любого человека  того сурового времени. Что касается огороженного здания на заднем плане, то оно может быть только тюрьмой, что подтверждается и окнами в решетках, и башнеобразной караульной комнатой. Эту конкретную подробность в условно изображенном пейзаже художник поднимает на уровень обобщения: огороженная тюрьма в пустом пространстве становится символом политической системы. 
Хотя все предварительные  эскизы к картине подтверждают, что сама картина была создана сразу после освобождения Малевича из тюрьмы, на холсте указана ложная дата: 1915 год. Подписывать свои картины ложными  датами было обычным делом среди художников рубежа XIX - XX веков, которые стремились доказать, что они первыми открыли тот или иной мотив или прием живописи. Но в данном случае изменение даты без сомнения было сделано с другой целью: показать, что картина относится в тому периоду творчества художника, который остался далеко позади,  —  как нечто давно ушедшее и преодоленное. Тот факт, что Малевич выбрал середину 1910-х годов в качестве вымышленной даты создания этой картины, объясняется тем, что её тематика связана с этим более ранним периодом его творчества.

🗺️ Далёкое–близкое

Василий ТРОПИНИН (1776−1857)
«Портрет Александры Алексеевны Оболенской», 1845

🇺🇿 Государственный музей искусств Узбекистана (Ташкент, Узбекистан)

Техника: Холст, масло
Размеры: 59 × 82 см

«Какой прекрасный человек, отец милосердный к ученикам, портретист великий, натуралист неподражаемый; авторитет, всеми любимый. Мы приходили к нему, он нас, учеников, принимал, как отец принимает детей».
(И. Тучнин о своем преподавателе В. Тропинине)

🗺️ Далёкое–близкое

Василий ТРОПИНИН (1776−1857)
«Портрет Варвары Ершовой с дочерью», 1831

🇧🇾 Национальный художественный музей республики Беларусь (Республики Беларусь, Минск)

Техника: Холст, масло
Размеры: 99,5 × 80,5 см

Описание
Большую часть своей жизни (до 43 лет) Василий Тропинин оставался крепостным графа Моркова. Он долго жил с семьёй графа и только тогда, когда получил вольную, смог окончательно обосноваться в Москве.

Тропинина называли «халатным портретистом», но вовсе не за небрежность в работе, а за особую, «домашнюю» манеру — способность создавать в портретах тёплые и проникновенные образы. Художник предпочитал изображать людей в непринуждённой домашней обстановке, подчёркивая естественность их поведения, выявляя их лучшие качества: чувство привязанности друг к другу в парных портретах, доброжелательность в общении со зрителем. В определённой степени именно это было отражением общей атмосферы купеческой Москвы того времени – с её неспешным патриархальным укладом жизни, гостеприимством и куда большей свободой частного существования, чем в официальном Петербурге.

Одним из наиболее выдающихся произведений Тропинина в собрании Национального художественного музея Белоруссии является портрет Варвары Ивановны Ершовой (в девичестве Барышниковой) вместе с её дочерью Екатериной Гавриловной. Работа была создана по заказу отца Варвары Ивановны — Ивана Ивановича Барышникова, титулярного советника и состоятельного помещика, в чьём владении находились обширные земельные угодья в Вяземском и Дорогобужском уездах Смоленской губернии. Портрет, изображающий старшую дочь Барышникова с дочерью (его внучкой), входил в серию из пяти портретов, предназначавшихся для фамильной галереи в имении Барышниковых в Алексине. Специалисты, изучающие творчество Тропинина, выделяют это полотно как лучшее из созданного мастером в период конца 1820‑х — начала 1830‑х годов.

🗺️ Далёкое–близкое

Василий КАНДИНСКИЙ (1866–1944)
«Лирическое», 1911

🇳🇱 Музей Бойманса ван Бенингена (Роттердам, Нидерланды)

Техника: Холст, масло
Размеры: 94 x 130 см

«Всякое произведение искусства — это вещь в себе. Всякое произведение искусства — это самостоятельная жизнь. Это оригинальная вселенная, которая является полностью самодостаточной».
(В. Кандинский, «О духовном в искусстве»)

«Настройте свои уши на музыку, раскройте глаза для живописи и… перестаньте думать! Просто спросите себя, позволяет ли вам ваша работа войти в доселе неизведанный мир. Если ответ «да», тогда что же еще вам нужно?»
(В. Кандинский, «О духовном в искусстве»)

🗺️ Далёкое–близкое

Василий КАНДИНСКИЙ (1866–1944)
«Святой Георгий», 1911

🇩🇪 Муниципальная галерея в Ленбаххаусе и Кунстбау (Германия, Мюнхен)

Техника: Стекло, масло
Размеры: 19.8 x 18.5 см
Источник поступления: дар 1957 года
В настоящее время не экспонируется

Провенанс
1926–1957 гг.: Габриэль Мюнтер (1877–1962), получено в дар от художника.
1957 г.: получено в дар от Габриэль Мюнтер.

Описание
Ещё в первый год своего пребывания в Мурнау Кандинский и Габриэль Мюнтер открыли для себя баварское народное искусство в технике багатели (живописи на стекле), приписывая народным образам почти магическую силу. 
В работе «Святой Георгий» образ  воина во многом ориентирован на прототип народного религиозного искусства. Георгий представляет собой средневекового рыцаря-конника с доспехами, необходимыми для серьезного поединка. Тяжелое копьё герой держит двумя руками. На его груди – выпуклый нагрудник (чтобы отводить удары), на голове – шлем с плюмажем, на руках – налокотники и латные рукавицы; на ноге, которая в поле зрения, – латный башмак со шпорой. 
Всё это сверкает золотом. 

Композиция представляет собой динамичную и одновременно орнаментальную систему, в которой неестественная изогнутость фигур (всадника, его коня и змея) помогает превратить всё вместе в декоративное целое. Здесь зооморфные стилизации сплелись  с растительными мотивами. Так, узорочье хвоста Змея (с его чешуйками и пятнышками) напоминает цветочки с зелеными листиками, а «яблоки» на шкуре ярко-синего коня – золотые осенние листья). Многозначные детали на глазах превращаются в узоры. Например, красивый завиток серо-белой «ракушки» – это то ли адский дым из пасти поверженного Змея, то ли хвост боевого Коня. И если цветущая (в разноцветных точечках) земля все ещё сохраняет счастливый и наивный песочный цвет, то небеса уже окрашены красным огнем пожара, цветок которого вырвался из адской пасти Змея. 
Понятно, что Змей должен быть побежден: ведь на границе земли и небес – мрачные черные силуэты обгоревших ёлок и есть только одно не пострадавшее лиственное дерево – символ жизни и залог грядущего возрождения земли. 
Драгоценное сияние королевского синего цвета в сочетании с желто-золотым, глубоким красным и целой палитрой зелёных цветов сообщает этой небольшой по размеру работе ту магию, которая так поражала Кандинского и Мюнтер в картинах народных мастеров.
 
Кандинский не раз изображал  Святого Георгия – победителя Змея в своих картинах. Образ всадника стал личной эмблемой Кандинского – символом борьбы с препятствиями и творческого прорыва.

→ О технике багателей Кандинского

🗺️ Далёкое–близкое

Николай РЕРИХ (1874–1947)
«И мы продолжаем лов», 1922

🇬🇧 Фонд ART RUSSE (Собрание Филатова А.) (Великобритания, Лондон)

Техника: Холст, темпера
Размеры: 71.5 x 101.5 см

«…И только в картине «И мы продолжаем лов» пространство распахнулось по всем направлениям. Следуя рериховскому символизму, мы уже понимаем, что это пространство духовное и в нём по наказу Христа апостолы «ловят» человеческие души, чтобы просветить их истинным светом. Самого Христа в картине нет, но мы угадываем его символический образ в виде довольно широко распространенного представления о нём как о Солнце. К такому заключению можно прийти, также сравнивая полотно Рериха с известным эскизом ватиканского ковра Рафаэля на тему Чудесного лова. Рерих во многом следует композиционному построению и рисунку персонажей великого итальянца, однако заменяет золотой нимб Христа и его розовый гиматий закатным небом и диском дневного светила».
(Е.П. Маточкин, «Космос Леонардо да Винчи и Николая Рериха: художественные параллели»)

🗺️ Далёкое–близкое

Николай РЕРИХ (1874–1947)
«И мы не боимся», 1922

🇬🇧 Фонд ART RUSSE (Собрание Филатова А.) (Великобритания, Лондон)

Техника: Холст, темпера
Размеры: 72.5 x 102 см
Надпись: внизу слева: подпись монограммой

Описание
В 1922 году Рерих создал живописную сюиту «Sanсta» («Святые»). В неё вошли картины: «И мы открываем врата», «И мы не боимся», «И мы видим», «И мы приносим свет», «И мы трудимся», «И мы продолжаем лов».
Герои картин — безымянные русские монахи, которые проводят свои дни в неустанных трудах. Уже в самих названиях картин заложена основная идея сюиты: Рерих утверждает высоту нравственного идеала русского человека в его каждодневном трудолюбии, в его скромности и добротворчестве.

Скромная жизнь отшельников, занимающихся мирным трудом (рыболовством, ремёслами, молитвой) казалась Рериху идеалом человеческой жизни, наполненной духовным смыслом.
Изображение медведя рядом с двумя монахами в картине «И мы не боимся» – это символ единения святых отцов с миром природы. Этот сюжет был очень дорог Рериху. Он воплощал воспоминания сразу о двух его любимых святых: Франциске Ассизском, приручившем волка, и Сергии Радонежском, приручившем медведя.
Первому из них Рерих посвятил картину «Святой Франциск», а в очерке «Любовь непобедимая» писал, что Франциск был «истинным прибежищем зверям и птицам», способным «обратить волка ко благу». А Сергия Радонежского, образ которого есть не только в картинах Рериха («Сергий - строитель», «Святой Сергий»), но и в ряде его очерков, художник считал великим строителем русской духовной культуры – «тем прибежищем, на которое опирается душа народа».

Картины Николая Рериха на русские темы имели огромный успех в Америке. Неизвестная, загадочная Россия предстала в его творчестве как мечта о духовной красоте, которую олицетворяли образы безымянных святых и подвижников. Большое впечатление на американских зрителей произвели и пейзажи России, в которых художник передал ощущение бескрайних просторов – почти безлюдных пространств земли с нескончаемыми лесами и горами.

🗺️ Далёкое–близкое