Российская галерея искусств

Вчера играли с вами в арт-игру.🖼
Время делиться с вами нашими рассуждениями.

Дорогие подписчики! Спасибо, что вы так активно участвуете в наших арт-играх и делитесь своими мыслями и рассуждениями.

А теперь делимся своими мыслями.

Волков тонко передаёт не только конкретику эпохи, но и внутренний мир своей героини. Ожидания, усталость, стремление хоть ненадолго почувствовать себя особенной — всё это запечатлено в её взгляде, обращённом куда-то сквозь зрителя. И её место в купе вагона СВ — это тоже не случайность. Именно комфортабельный вагон на уровне символа подчёркивает её статус, делая поездку не просто дорогой, а маленьким триумфом.

⚡Итак, первая версия. Возможно, перед нами заведующая магазином, товаровед или другой человек, связанный с торговлей. Наша героиня собрала для поездки целый курортный гардероб, да и держится она очень уверенно.

⚡Есть и другая версия — жена крупного начальника или партийного работника. Ведь судя по обстановке, женщина едет в мягком вагоне, а хороший билет и путёвка в престижный санаторий в те годы тоже многое говорили о положении человека.

⚡Можно предположить и более творческую профессию. Причёска, макияж и любовь к эффектным вещам вполне подошли бы актрисе или другой работнице культуры. Хотя мне её образ всё-таки кажется слишком основательным для богемной дамы. Скорее уж директор дома культуры или театральный администратор, чем артистка.

Всем хороших выходных, друзья!✨

Арт-игра для знатоков и ценителей искусства!💡
Сегодня задание для любителей пофантазировать.

Автор картины — Юрий Волков, классик «крымской школы живописи». Ученик Николая Самокиша, участник Великой Отечественной войны, он очень убедительно создавал образы и сцены той, безусловно знаковой и глубоко личной для каждого русского эпохи. В музеях он представлен прежде всего военно-историческими полотнами.

Но картина «На курорт» выбивается из этого ряда. Решили рассмотреть ее детально вместе с вами.

1960 год. Хрущёвская оттепель. Поезд мчится на юг, за окном мелькает море, а Юрий Волков смотрит не на пейзаж, а на пассажирку. Она и стала героиней картины «На курорт» из собрания Евпаторийского краеведческого музея.

Дама устроилась в мягком вагоне как в собственной гостиной. Пышная причёска, подведённые брови, помада, изумрудное платье, светлая кофточка, бусы, серьги, аккуратные туфли. В руках — нарядная сумочка, рядом — соломенная шляпка с цветами, зонтик и яркая шаль. На столике — стакан в подстаканнике, фрукты, еда. Видно: к поездке на юг она готовилась как к главному событию года.

Художник не превращает её в карикатуру. Она чуть смешна в своей чрезмерной нарядности, но живая и узнаваемая. В ней — целая эпоха, когда к отпуску готовились как к отдельному празднику.

❓Внимание вопрос!
Кто она? Волков биографии не оставил — остаётся только рассматривать детали, фантазировать и строить версии.

Делитесь своими мыслями и рассуждениями! Смело фантазируйте и делитесь с нами!

📝 Пишите свои варианты, а уже завтра с утра поделимся нашими соображениями.

Продолжаем путешествие по воображаемой вселенной героев Дейнеки.
Сегодня нас ждёт предпоследний эпизод — «Молодость», по мотивам картины Александра Дейнеки «Раздолье»

▶1 серию можно посмотреть здесь
▶2 серию можно посмотреть здесь
▶3 серию можно посмотреть здесь
▶4 серию можно посмотреть здесь

Девушки у реки — светлые волосы, легкая одежда, смех и лёгкость. Они собирают цветы для венка, плетут сосредоточенно, словно в этом простом деле спрятан какой-то важный смысл. Может, каждая из них загадывает желание, а может, прощается с тем, что осталось позади.

🌾Венок — как обещание. Надеть его — как примерить на себя что-то большее, чем просто летний день. Как на долю мгновения стать античной богиней. А потом пустить венок по воде — словно отпустить то, что нельзя удержать: ветер, лето, юность.

Молодость — состояние, когда внутри свободно и легко. Пространство распахивается и приходит понимание: всё возможно. Бежать не оглядываясь, смеяться в ясный день, любить жизнь.

Делитесь своими впечатлениями в комментариях! Каждый отклик - важен для нас!❤

Приятного просмотра, друзья!

Детская творческая лаборатория в Центре развития и творчества Российской галереи искусств.

Сегодня, 8 октября, отмечается День работников дополнительного образования. В этот день мы хотим рассказать о нашей Детской творческой лаборатории, которая откроется в составе Центра развития и творчества. 👩🏻‍🎨

Детская творческая лаборатория - это особое пространство для исследования искусства, творчества и формирования индивидуального взгляда на искусство.

☝Здесь не будут учить «правильно рисовать». Главной задачей является раскрыть способность видеть, чувствовать, исследовать и создавать свои смыслы. Через игру, наблюдение, эксперимент и диалог. Через цвет, форму, материал и образ.

Лаборатория построена так, что с возрастом меняется сама роль ребёнка: от активного исследователя и экспериментатора - к самостоятельному интерпретатору и автору.
🔸4–7 лет — чувствовать и исследовать. Краски, свет, тень, отпечатки, работа с пластическими и сыпучими материалами, создание коллективных работ. Главное — интерес, ощущение и свобода творчества.
🔸7–10 лет — экспериментировать и создавать. Графика, коллаж, конструирование, природные материалы, первые инсталляции. Развитие воображения, самостоятельности, визуального мышления и умения работать вместе.
🔸11–14 лет — анализировать и высказываться. Современные практики, фотоколлаж, видео, пространственные композиции. Учимся задавать вопросы и формулировать свою позицию.

А ещё совсем скоро в лаборатории появятся новые программы — каждая со своим характером:
🔹«Арт-билет в искусство» — первое знакомство с искусством через игру и истории. Для детей 4–7 лет.
🔹«Лаборатория материалов» — свободное исследование фактур и свойств. Для самых маленьких, 4–7 лет.
🔹Авторский курс «На языке образов» — системная практика, где ребёнок будет учиться замечать связи между образом, эмоцией и личным опытом. Для всех возрастов: 4–7, 7–10 и 11–14 лет.
🔹«Место для одного» — курс для подростков 15–17 лет о теме одиночества в искусстве и культуре. Через разговор о художниках — к собственному высказыванию.

Мы верим, что дополнительное образование — это не «дополнительно», а по-настоящему важно. Это место, где ребёнок сможет попробовать, ошибиться, удивиться и найти своё.

Прогулки по выставке «Море не волнуется». Абхазия.📍

В начале октября Российская галерея искусств представила в столице Абхазии новый проект «Море не волнуется».

На выставке представлены шедевры русской живописи из собраний федеральных и региональных музеев. Сегодня смотрим пейзажи Алексея Боголюбова «Беюк-Ламбат. Крым, близ Гурзуфа» и «Ай-Петри. Крым» из собрания Государственного Русского музея.

Алексей Боголюбов умел слышать, как дышит земля. Его кисть не просто фиксировала вид — она ловила то, что между взглядом и горизонтом: солёный ветер, зыбкий свет, тишину, которая звенит в ушах на высоте. Две картины 1863 года из Государственного Русского музея — как два письма из Крыма, отправленные в один год, но с разным настроением.

🖼«Беюк-Ламбат. Крым. Близ Гурзуфа»
Само название звучит как заклинание. Беюк-Ламбат — «большой маяк»? Или просто место, где море сходится с берегом в долгом поцелуе. В 1863 году здесь не было ни шумных набережных, ни толп отдыхающих. Только дикая, почти нетронутая красота: скалы, спускающиеся к воде, тёмная зелень кипарисов, прозрачный воздух, настоянный на полыни и соли.

Боголюбов смотрит на этот мир не свысока, а словно стоя на берегу, чувствуя под ногами тёплую гальку. Море у него не бушует — оно дышит. Мягкий свет, возможно, утренний или предвечерний, окутывает всё дымкой. Вода отражает небо, но не слепо, а по-своему: в ней больше глубины, чем в небе, больше тайны. Хочется остановиться и слушать, как волна ласкает берег, как где-то вдалеке перекликаются птицы. Это Крым, который открывается не сразу, а тому, кто умеет ждать.

🖼«Айпетри. Крым»
Ай-Петри — уже не берег. Это высота, от которой захватывает дух. Гора с её знаменитыми зубцами парит над облаками. Здесь воздух прозрачен и звонок, ветер срывает слова, а внизу, где-то далеко, море кажется игрушечным, почти ненастоящим.

Художник даёт почувствовать масштаб: ты стоишь на краю, и мир распахивается под тобой. Внизу — ковыль, камни, тени облаков, бегущие по плато. Небо занимает больше половины холста, и в нём — вся гамма: от нежной лазури до свинцовых туч. Это Крым торжественный, эпический, тот, который заставляет молчать. Боголюбов не боится пустоты — он знает, что она наполнена светом и ветром.

🎨Обе картины написаны в один год, обе — из собрания Государственного Русского музея, но такие разные. В «Беюк-Ламбате» — покой, в «Айпетри» — размах. Боголюбов умеет быть нежным и величественным одновременно. Он напоминает: природа — не фон для человеческих драм, а действующее лицо. И глядя на эти полотна, мы слышим шум прибоя и свист ветра на вершине.

Какие эмоции вызывают у вас эти произведения, дорогие читатели? Ставьте реакции, делитесь своими мыслями и чувствами!

🖼 Алексей Боголюбов. Беюк-Ламбат. Крым, близ Гурзуфа. 1863.
🖼 Алексей Боголюбов. Ай-Петри. Крым. 1863.
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

📅 Выставка продолжит свою работу до 13 декабря 20256
📍Центральный выставочный зал Союза художников Республики Абхазия.
Республика Абхазия, г. Сухум, ул. Лакоба, д. 31

Приглашаем всех!

#настроениедня «Осень» кисти Павла Никонова из нашего собрания.🍂

Вот и в южный крымский регион потихоньку пробирается осень.🍂
На календаре начало октября.
А осенние краски повсюду завораживают и поражают своей палитрой.

Павел Никонов - фигура легендарная для отечественного искусства XX—XXI века. Стоящий у истоков «сурового стиля», он сыграл ключевую роль в формировании нового художественного языка, ознаменовавшего отход от жёстких канонов соцреализма.

Важным ориентиром для Никонова стало искусство Александра Дейнеки, его старшего современника. Не случайно Дейнека приобрел картину Никонова «Рыбаки», впервые показанную на молодежной выставке. Зато следующее полотно «Наши будни», которое Никонов писал, имея в виду композиционное построение «Обороны Петрограда», вызвало недоумение Дейнеки.

«Странно, откуда у тебя этот немецкий экспрессионизм?», - спросил он тогда молодого автора.

🎨 Творчество Никонова — это целая летопись, отражающая важнейшие моменты в истории нашей страны, пронизанная искренней любовью к Родине и глубокими чувствами, которые он передавал через свои произведения.

В течение своей долгой и плодотворной жизни Павел Никонов был не только выдающимся художником, но и наставником для многих молодых мастеров.

Перед нами работа художника «Осень», написанная в технике масляной живописи в 2008-2010 годах. Это холст внушительных размеров, более двух метров по ширине, и уже сама его масштабность задаёт зрителю определённую оптику: мы смотрим не на бытовую сценку, а на эпическое высказывание о русской деревне, о времени и о человеке. Никонов, стоявший у истоков «сурового стиля», и здесь остаётся верен себе — его письмо отличается большой экспрессией, широким, свободным мазком и сложной, многослойной живописной поверхностью. Но если ранние его работы были сродни удару, то «Осень» — это скорее долгий, пристальный взгляд, исполненный мудрости и пронзительной любви к миру.

Насыщенный, тёмный колорит, характерный для позднего периода творчества художника, сгущает краски, усиливая драматическое переживание. «Осень» — это не столько время года, сколько состояние души, где за внешней суровой простотой скрывается огромная, неиссякаемая любовь к родной земле.

🖼 Павел Никонов. Осень. 2008-2010.
Российская галерея искусств.

Поздравляем вас, дорогие учителя с профессиональным праздником, Днём учителя!❤️‍

А также наших научных сотрудников и коллег, которые занимаются Музейной педагогикой - проводят интересные экскурсии, лекции, тематические занятия с детьми, тем самым культурно просвещая молодое поколение, приобщая его к прекрасному. 

Сегодня говорим о художниках-педагогах.

В мире искусства фигура наставника часто затмевается фигурой гения. Но проходит время, и становится ясно: истинное величие мастера измеряется не только его холстами, но и теми, кто продолжает его путь. 

🎨Вспомним Илью Репина. Профессорская метода Илья Ефимовича как художника-педагога представляла собой полное раздолье. Трудно представить большую свободу для ученика, нежели та, которой ученик мог пользоваться в мастерской Репина.
️Основой репинского учения была одна истина, которую Илья Ефимович не уставал повторять: лучший учитель и наставник художника в постижении прекрасного — это сама природа. Все то, что походило на мудрствование перед нею, исходило как бы от лукавого, Репин с ожесточением ругал:

«Ну, это же отсебятина!» 

🎨Совсем иной, но не менее мощным был подход Кузьмы Петрова-Водкина. Он создал не просто метод, а целую философию — «сферическую перспективу», которая учила художника видеть мир не через окно, а через планету. Его ученики — Леонид Чупятов, Александр Самохвалов, Мария Ломакина, Владимир Дмитриев, Павел Голубятников. Петров-Водкин учил дисциплине цвета и мысли. Он говорил:

«Сначала научись видеть, потом — писать».

Его класс был похож на храм, где искусство требовало не только таланта, но и духовной зрелости.

🎨Таир Салахов. Его мастерская во времена «сурового стиля» и позже стала кузницей кадров для целых поколений. Среди его учеников - Александр Воронков, Мария Сатурнина, Александр Ситников. Он не диктовал, он направлял. Салахов умел создать атмосферу, в которой ученик не боялся искать своё. Его наставничество — это диалог равных, где мастер не давит авторитетом, а вдохновляет примером. Он учил чувствовать ритм современности, не теряя связи с традицией. Многие его студенты стали лидерами национальных школ, что безусловно говорит о широте его педагогического дара.

🎨Но, пожалуй, самое парадоксальное имя — Павел Чистяков. Он не искал славы, не гнался за эффектными сюжетами, а создал целую школу — ту самую «чистяковскую систему», через которую прошли Репин, Суриков, Врубель, Серов, Васнецов, Поленов. Смыслом собственной жизни талантливый художник считал педагогическую работу.
Его систему воспитания ласковой не назовешь.

©️Павел Петрович всегда говорил: «Будет просто, как попишешь раз со сто».

Но высшая похвала педагогу — это и восторженные воспоминания его воспитанников, и их изумительные работы.

©️«Желал бы называться Вашим сыном по духу» — писал В.Васнецов в письме своему любимому учителю.

Своих учеников он учил думать, чувствовать, ощущать, передавать глубину, философию и выражать и в концепции, глубине.

Художники-педагоги вкладывали в своих учеников время, силы, веру. И сегодня, проходя по залам музеев, мы видим их наследие — не столько в самих картинах, сколько в сотнях имен, которые появились на свет благодаря их труду. 

Музейная педагогика продолжает эту эстафету. Мы не просто показываем картины, мы учим смотреть. Мы не просто рассказываем историю, мы помогаем её почувствовать. 

С праздником, дорогие учителя! Пусть ваши ученики однажды превзойдут вас — это высшая награда для наставника. ❤️

🖼 Илья Репин. Портрет П.П.Чистякова. 1878.
Государственная Третьяковская Галерея.
🖼 Кузьма Петров-Водкин. Автопортрет. 1926-1927. 
Государственный Русский музей.
🖼 Исаак Бродский. Портрет Репина. 1912.
Научно-исследовательский музей при Российской академии художеств.
🖼 Александр Воронков. Возвращение в родную гавань.
Российская галерея искусств.
🖼 Таир Салахов. Утро на Каспии. 1986.
Государственная Третьяковская галерея.
🖼 Павел Голубятников. Автопортрет с луной. 1931. Нижнетагильский музей изобразительных искусств.

В столице Абхазии открылась новая выставка Российской галереи искусств «Море не волнуется»

Открытие проекта стало важным событием в культурной жизни обеих стран, демонстрируя общие исторические и художественные корни.

Мы привезли в Абхазию 35 шедевров русской живописи XIX–XXI веков из собраний пяти федеральных и трёх региональных музеев. Сердце проекта — работы великого мастера Ивана Айвазовского, «вечные» пейзажи Константина Богаевского, а также полотна Валентина Серова, Таира Салахова, Натальи Нестеровой и Владимира Дубоссарского.

По словам Виталия Зотова, директора музейно-выставочного центра Российской галереи искусств:

«В названии проекта заключена определённая метафора. К сожалению, в последняя время Чёрное море становится ареной геополитического противостояния, а не платформой, объединяющей многие народы в мирном сосуществовании. Выставка Российской галереи искусств создает образ моря как вечного культурного пространства, где прошлое не исчезает, а продолжает звучать в настоящем. Море не волнуется – оно хранит историю и обещает будущее!».

Российская галерея искусств — федеральный музей, и её выставочная деятельность не ограничивается Севастополем. Наши проекты уже проходят в разных городах России и за рубежом. Но самая яркая встреча, безусловно, ещё впереди: она состоится именно здесь, в Севастополе, с открытием нового федерального музея.

Осень — прекрасное время, чтобы смотреть выставки и быть ближе к искусству. В этой поре есть особая музыка: шорох листвы, мягкий свет, длинные тени и желание замедлиться. Именно так — не спеша, вдумчиво, всем сердцем — и стоит встречать живопись.

Выставка продолжит свою работу до 13 декабря 2026
📍Центральный выставочный зал Союза художников Республики Абхазия, г. Сухум, ул. Лакоба, д. 31

Приглашаем всех! ✨

Вчера играли с вами в арт-игру.💡
Время делиться с вами нашими рассуждениями.

Наша задача — не просто показывать картины, а побуждать вас к размышлениям, будить любопытство. Мы стараемся придумывать для вас интересные задания и вопросы, но настоящая магия происходит только тогда, когда вы откликаетесь.

Благодарим каждого из Вас!💛

Вернемся к Бёрду.
Однозначного ответа нет — и в этом гениальность Бёрда. Художник не высмеивает кого-то одного: он показывает целую галерею человеческих типов, которые встречаются нам каждый день. Один обязательно чувствует себя «его величеством», второй почтительно кивает, а остальные молча наблюдают и делают вид, что всё совершенно нормально.

Всем хороших выходных, друзья!

🎨 Арт-игра: «Его величество принимает» — кто здесь главный?

Осенний лес, опавшие листья, а посреди поляны — настоящий светский приём. В центре — лис в ярко-красном костюме и белом шарфе. Он держится так важно, будто перед ним собрались самые знатные гости. Напротив — заяц, почтительно склонившийся вперёд. Остальные звери замерли рядом и внимательно следят за происходящим.

Перед нами работа американского художника Уильяма Холбрука Бёрда (1827–1904) — «Его величество принимает», написанная в 1885 году из собрания Художественного музея Индианаполиса.

Бёрд особенно любил превращать животных в людей. В его картинах звери становятся узнаваемыми человеческими типажами: самодовольным начальником, почтительным просителем, любопытными наблюдателями и теми, кто всегда старается держаться поближе к «важной персоне».

Ни один из персонажей не ведёт себя как животное. Они одеты по последней человеческой моде, соблюдают правила приличия и явно понимают, кто здесь главный. Лис с рыжей мордой, прищуренным взглядом и самодовольной улыбкой чувствует себя хозяином положения. Заяц выглядит совсем иначе: скромная поза, почтительный наклон головы — словно перед нами человек, который очень хочет понравиться важной персоне.

☝И самое забавное — настоящего короля здесь нет. Но лис настолько уверенно играет свою роль, что остальные будто действительно признают за ним право быть главным. Бёрд смеётся над очень человеческой привычкой преклоняться перед теми, кто кажется важнее, богаче или влиятельнее.

❓ Вопрос сегодня скорее философский:
Как вы думаете, кто здесь самый забавный? Самодовольный лис — «его величество» без короны? Почтительный заяц, который очень старается понравиться? Молчаливые наблюдатели, которые делают вид, что всё нормально? Или все вместе — потому что мы узнаём в них себя?

Сразу обозначим — правильного ответа нет.

✍️ Пишите свои версии, даже самые, на ваш взгляд, забавные, это будет даже интересней! А уже завтра утром поделимся с вами своими мыслями!

Путешествуем по воображаемой вселенной героев Дейнеки.
Сегодня смотрим четвертый эпизод — «Колобок».

▶1 серию можно посмотреть здесь
▶2 серию можно посмотреть здесь
▶3 серию можно посмотреть здесь

Все мы знаем картину Дейнеки «Вратарь» наизусть. На ней главный герой — вратарь, защитник ворот. Но давайте на мгновение представим, что главный герой — мяч. Тот самый колобок: круглый, быстрый, прыгучий. Уйдет ли он от вратаря? Попадет ли в ворота?

Он рождён из кожи и нитей, из чьих-то рук и труда, чтобы однажды оказаться в самой гуще событий. Не для того, чтобы победить или проиграть, а для того, чтобы лететь. Может, это его судьба?

В его полёте — не только спортивный азарт, но и сама природа мгновения: хрупкого, ускользающего, неподвластного контролю. Вратарь пытается это мгновение удержать. Мяч — тот, кто не подчиняется.

Дейнека говорил: «Игра в футбол натолкнула меня на свой самостоятельный язык».

Может, этот язык — язык мяча? Того, кто рождается из рук мастера, чтобы однажды взлететь. И быть пойманным — не значит проиграть. Иногда это значит — стать легендой.

Смотрите — и почувствуйте, как доля секунды растягивается до вечности. Делитесь своими впечатлениями в комментариях! Каждый отклик - важен для нас!❤

Приятного просмотра, друзья!

Живопись, которая поёт. 1 октября - Международный день музыки. 🎼

Живопись и музыка настолько же далеки друг от друга, насколько близки.
Струны, ноты и ритмы оживают на холсте и способны передать то, что словами сказать нельзя. Используя краски, художники выражают музыкальное настроение, глубину и эмоции музыкальных произведений. Артисты и композиторы вступают в творческий диалог, воплощая звук в цвет и форму. К Международному дню музыки, который отмечается 1 октября, говорим о художниках, в чьих судьбах музыка занимала центральное место.

🎨 Василий Кандинский, который считается пионером абстрактного искусства, прекрасно играл на виолончели и фортепиано, дружил со многими музыкантами и композиторами своей эпохи, часто посещал концерты великих музыкантов и черпал свое вдохновение в музыке. Он считал, что музыка может открыть путь к новому искусству, которое отбрасывает материальные проявления вещей в пользу таинственной внутренней реальности.

Музыка и ее идеи присутствуют в творчестве Кандинского повсюду. По признанию художника, когда он писал свои картины, музыка и живопись сливались в них воедино, он ощущал звук музыки и видел цвета, которые она передает. Музыка и цвет были неразрывно связаны друг с другом. Эта связь была настолько ясной, что Кандинский ассоциировал каждую ноту с точным оттенком. Он говорил: «Краска - это клавиша. Душа представляет собой пианино со множеством струн. Художник - это рука, которая играет на струнах».

🎨 Французский живописец Анри Матисс с детства имел тесную связь с музыкой, которую сохранял на протяжении всей жизни. Родители научили его музыкальной грамоте и игре на скрипке, а в юности, переехав из французской провинции в Париж, он параллельно с художественной практикой большое внимание уделял музыке, научился играть на фортепиано и других музыкальных инструментах, посещал концерты, музыкальные вечера, углубляя свои познания в классической музыке.

Музыка была его главным вдохновением, а разнообразные живописные исследования проводились в среде, пропитанной музыкой, позволяя формировать свой стиль, изображать на полотнах движение, ритм, меланхолию или даже покой. Тема музыки и ее исполнителей постоянно присутствует в искусстве Анри Матисса, будь то рисунки, гравюры или картины.

Для Анри Матисса музыка была не только удовольствием и развлечением, но порой и своего рода утешением, музой. В его доме, гостиничных номерах или на вилле, где он поочередно жил, всегда присутствовали фортепиано, скрипка, гитара, мандолина.

🎨 Дега, известный французский художник, прославился своими эскизами танцовщиц и балерин. Его картина «Оркестр оперы», написанная в конце 60-х годов XIX века, является сложной и многолюдной по композиции. В это время Дега оказался под влиянием импрессионизма и познакомился с художником Эдуардом Мане, благодаря которому открыл новые тематики для своего творчества. На картинах Дега можно увидеть известных музыкантов и военных сослуживцев художника, а также главную фигуру Дезире Дио. Картина была долгое время неизвестна общественности и показана только Дио, пока его сестра не обменяла ее на пенсию в 1935.

В нашем музее также есть произведения чудесных современных художников на музыкальную тематику.

А ещё, по заказу нашего музея к его открытию композитором Кузьмой Бодровым была написана музыка – Симфония
«Севастополь»

🖼 Георгий Мосеев. Музыканты. 1976.
🖼 Владимир Баранов. Африка. Конголезские музыканты. 1961.
🖼 Игорь Хоронько. Ингушский музыкант Хаутиев из села Шоан. 2024
Российская галерея искусств.
🖼 Василий Кандинский. Музыкальная увертюра. Фиолетовый клин. 1919
Тульский областной художественный музей,.
🖼 Эдгар Дега. Оркестр оперы. 1870
Musée d’Orsay году.
🖼Анри Матисс. Музыка. 1910
Государственный Эрмитаж

#ниднябездаты
Сегодня, 30 сентября, в 1916 году в Новосибирске родилась Надежда Черникова — заслуженный художник России.

Вся жизнь художницы была тесно связана с городом на Волге. Надежда Черникова не покидала Сталинград даже в дни самых ожесточенных боев.

Как солдат, она не выпускала из рук свое главное оружие — кисть. И рисовала все, что видела своими глазами: горящий город и его жителей — детей и женщин. Именно женщины и после войны заняли центральное место в творчестве прекрасной художницы, всей своей жизнью создававшей образы женщин Сталинграда. Это не просто женские портреты — это женские характеры, героини той эпохи, которыми мы гордимся и глядя на которые мы вдохновляемся по сей день.

Женские портреты – это только часть значительного творчества художницы, но сквозь них проступает образ самой Надежды Черниковой, ее жизнь, характер, ее отношение к труду.

Вместе с мужем Александром Червоненко, с которым были выпускниками Сталинградского художественного училища, образовали творческий союз, оставив богатое творческое наследие.
Это был необычный творческий союз: художественные дарования супругов, как и темпераменты, были очень различны. У Червоненко был очень выдержанный, спокойный характер, тогда как у Черниковой — неугомонный и взрывной. Подход Червоненко к задачам холста можно определить как монументальный, тогда как сильная сторона искусства Черниковой — внимание к деталям. Искусство обоих свидетельствует о сегодня трудновообразимой степени врастания, взаимопроникновения судьбы города и человеческих историй.

Художники разбирали завалы, участвовали в восстановлении города и в то же время запечатлевали его облик. Не было мастерских, красок, кистей; художники работали там, где жили, в наспех вырытых землянках, наскоро восстановленных зданиях. Они даже устраивали экспозиции в городском саду, в первых кинотеатрах, клубах, библиотеках. Эти выставки воодушевляли сталинградцев, говоря о том, что жизнь налаживается.

А в мирные дни Надежда Елисеевна неистово трудилась по трём темам — натюрморт, пейзаж и портрет — и выполняла партийные заказы: писала портреты передовиков производства, выдающихся учёных, заслуженных врачей, педагогов, всех, кто своим талантом и трудом создавал мощную страну.

В свободном выборе героев она определялась так:

«Пишу тех, кого люблю и уважаю».

🖼 Пляж. 1970.
Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И.Машкова.
🖼 Сталинград 23 августа 1942 год. 1942.
Центральный музей Великой Отечественной войны 1941-1945 гг.
🖼 Этюд. Вид на горящий город. Сталинград, август 1942 г. 1942.
Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И.Машкова.
🖼 Таня. 1970.
Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И.Машкова.
🖼 Тетя Маша. 1980.
Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И.Машкова.
🖼 Девушка читает письмо. 1990.
Волгоградский музей изобразительных искусств им. И.И.Машкова.

#настроениедня очень атмосферный пейзаж Ядвиги Жилинской «Старая Рига» из нашего собрания.

🍂Осень в Старой Риге пахнет мокрым камнем, кофе и чуть подгоревшими каштанами. Именно такое настроение — тёплое, чуть задумчивое, с горчинкой — ощущается в работе «Старая Рига» Ядвиги Жилвинской.

Она родилась в Таллине, выросла в Лиепае, училась у Убанса и Либертса, писала портреты, цветы и святые образы. Но старая Рига в её пейзажах — это отдельная тихая история. Узкие улочки, черепичные крыши, шпили, утопающие в золоте листвы. Свет мягкий, как в последние тёплые дни сентября. Кажется, вот-вот из-за угла выйдет кто-то с зонтом, и всё вокруг замрёт в этой осенней полудрёме.

🎨Жилвинская умела остановить мгновение — не парадное, не туристическое, а настоящее. Её работы полны лирики и внутренней гармонии: в них слышится шорох листьев, чувствуется прохлада камня и тепло одинокого фонаря.

Задержитесь сегодня на пару минут. Посмотрите на этот город её глазами. 

🖼 Ядвига Жилвинская. Старая Рига. 1970.
Российская галерея искусств

Министр культуры РФ рассказала о двух грандиозных проектах Российской галереи искусств в 2027 году.

Министр культуры РФ Ольга Борисовна Любимова дала интервью изданию РИА Новости на полях XII Санкт-Петербургского международного форума объединенных культур. В беседе с журналистами министр рассказала о первой выставке африканского искусства в истории нашего музея.

«В Севастополе в Российской галерее искусств в конце 2027 года откроется выставка «Эфиопия: время, которое движется по спирали», приуроченная к 130-летию дружбы между нашими странами. В основе её концепции лежит исследование эфиопского модернизма, развивавшегося вне колониальной парадигмы, и демонстрация духовного родства двух стран, опирающихся на христианские традиции» — отметила Ольга Борисовна.

Выставка африканского искусства — не единственный проект из направления искусства стран Глобального юга в нашем музее. Министр также анонсировала проведение выставки, посвящённой, пожалуй, самому известному мексиканскому художнику в мире.

«В 2027 году там же запланировано проведение историко-художественной выставки «Я — Диего», приуроченной к 100-летию визита художника в СССР. Научно-подготовительную работу над этим проектом РГИ ведет совместно с ведущими музеями Мексики. В рамках подготовки в марте 2026 года российские специалисты совершили рабочую поездку в Мексику, результатом которой стали договоренности о пополнении фондов РГИ значительным комплексом произведений современного искусства — более 100 предметов знаковых мастеров из Мексики, Гватемалы, Эквадора, Колумбии и Уругвая. В настоящее время прорабатываются вопросы логистики и транспортировки этих работ в Россию» — рассказала министр.

Кроме того, Ольга Борисовна Любимова рассказала, что командой нашего музея готовится визит в Севастополь известного мексиканского муралиста, одного из главных хранителей традиций Риверы — Ариосто Отеро.

«Мастер выразил желание создать на одной из подпорных стен в парке, прилегающем к музейному комплексу РГИ, масштабный мурал, посвященный дружбе России и Мексики, а также славной истории Севастополя».

Полное интервью министра культуры РФ изданию РИА Новости вы можете прочитать на официальном сайте.

1 октября на Приморском бульваре Российская галерея искусств откроет городскую планшетную выставку «Александр Дейнека – Я безвыездно в Севастополе».

Это рассказ о городе, который стал для художника не фоном и не случайным впечатлением, а мастерской и судьбой. В 1934 году Дейнека впервые приехал в Севастополь — и здесь сошлись важнейшие темы его искусства: открытое пространство, море и небо, цвет и свет, движение, спорт, авиация, новый человек. От быстрых зарисовок — к большим образам. От солнечной молодости 1930-х — через трагический опыт войны и «Оборону Севастополя» — к послевоенной памяти, миру и космической теме.

🖼 Экспозиция включает в себя 20 планшетов, которые складываются в единое повествование о том, как город изменил художественное зрение Дейнеки. Здесь можно увидеть, как впечатление превращается в образ: от натурного наблюдения и графики — к живописи, монументальности и мозаикам. А сквозным мотивом остаётся Севастополь — его свет, его горизонт, его люди.

Эта выставка — самостоятельный художественный рассказ и одновременно приглашение на главную выставку «Дейнека!» в Российской галерее искусств: увидеть шедевры мастера и окунуться в эпоху великих свершений и мечты о прекрасном будущем.

Этот рассказ под открытым небом — как увертюра: продолжение зазвучит в Российской галерее искусств, на выставке «Дейнека!».

Прогуляйтесь по осеннему центру Севастополя, вдохните воздух Приморского бульвара — и загляните на выставку. Искусство Дейнеки здесь особенно созвучно городу: такое же светлое, динамичное и устремлённое вдаль.

📅 Выставка откроется 1 октября и продолжит свою работу до 1 ноября 2026 .
📍г. Севастополь, Приморский бульвар. смотровая площадка между Дворцом детства и юности и Аквариумом.
💰Вход свободный.

Приглашаем всех!🍂

Ученый секретарь Российской галереи искусств выступила перед участниками ежегодного фестиваля «ITPARK FEST»

Виктория Данилюк, ученый секретарь нашего музея представила доклад на тему «Медиа пузырь современной художественной экспозиции: в поисках баланса между генеративным и авторским».

В своем выступлении представитель РГИ раскрыла секреты грамотного сочетания современных медиа-инструментов и классических музейных артефактов и экспонатов. В тандеме с Викторией Данилюк перед собравшимися выступил Владимир Михайлов, главный продюсер компании Pixel 8. Он рассказал об истории использования генеративных технологий при создании вселенной героев Александра Дейнеки.

Изысканное сочетания современных медиа и классических произведений вы очень скоро сможете увидеть свои глазами на нашей флагманской выставке «Дейнека!».

Вчера играли с вами в арт-игру.💡
Время делиться с вами нашими рассуждениями.

На наш взгляд Дедрё хитро совместил и то, и другое.

С одной стороны, пес — идеальный образ для шаржа: приземистый, важный, с немного надменным выражением морды. Вильмессан действительно был фигурой влиятельной и самолюбивой — он не просто возродил газету, он сделал её рупором бонапартистских идей. Написать его в виде упитанного пса, который развалился в кресле с бокалом, — это явный намёк на сытую и самодовольную жизнь журналиста, который вершит мнениями, пока другие работают.

Но с другой — Дедрё был учеником Делакруа, а тот ценил метафоры. Вложить в картину скрытый портрет двух реальных людей — это жест уважения к их влиянию. Вильмессан в этом образе выглядит не карикатурно-смешным, а скорее уютно-величественным. Он — центральная фигура комнаты, и даже гончая (граф Монри) у его ног подчёркивает его статус.

Дедрё играл: он знал, что Вильмессан оценит такую остроумную лесть. Это как надеть маску на маскараде — все узнают, но никто не обидится. А может, художник просто хотел оставить зашифрованное послание для потомков: «Смотрите, какими забавными бывают великие мира сего».

Всем хороших выходных, друзья!

В Российской галерее искусств появится Лаборатория цифрового искусства

Наш музей стал партнёром ежегодного фестиваля «ITPARK FEST», который сегодня открылся в Севастополе. На полях, пожалуй, самого главного события в сфере информационных технологий Юга России, была достигнута договорённость о создании на базе РГИ специальной Лаборатории цифрового искусства.

Виталий Зотов, директор музейно-выставочного центра Российской галереи искусств: «Совместно с ИТ-парком и Севастопольским госуниверситетом мы планируем проект по созданию и запуску на базе нашего музея Лаборатории цифрового искусства. Это будет специальная площадка для исследований, экспериментов в области цифровых искусств, новой визуальной культуры и новых вызовов. Потому что сейчас в наше время мы, как минимум, должны понимать, что происходит с цифровыми технологиями — какой рождается новый визуальный язык и как дальше с ним взаимодействовать».

«ITPARK FEST» ведёт свою историю с 2019-го. В этом году главная тема фестиваля – искусственный интеллект.

🎨 Арт-игра: «Инкогнито»

Представьте: вы входите в зал Государственного Эрмитажа. 1857 год. Перед вами картина «Мопс в кресле»: пес развалился в кресле с красной драпировкой, рядом столик с бокалом, в ногах — газета «Le Figaro». Мило, правда? Просто собака отдыхает после обеда.

👀 А теперь присмотритесь.
Коротко стриженные волосы, толстые губы, круглая голова на короткой шее. Это не просто пес. Это Ипполит де Вильмессан — известный французский журналист, который за три года до этого возродил «Le Figaro». А гончая у его ног — граф Шарль де Монри, брат самого Наполеона III. Он охраняет покой друга и покровительствует ему в продвижении идей.

Художник Альфред Дедрё, ученик Делакруа, не просто написал собак. Он создал шарж на двух влиятельных людей своего времени и спрятал его в безобидную сцену. Почему? Зачем было изображать журналиста в виде пса?

❓Вопрос для вас:
Как думаете: Дедрё хотел высмеять Вильмессана — сделать его пухлым и самодовольным? Или, наоборот, увековечить в неожиданном образе — показать, что даже серьёзный человек может быть забавным и человечным?

А может, это была частная шутка для узкого круга — и мы никогда не узнаем настоящую причину?

❗️Правильного ответа нет! Есть лишь ваши мысли, фантазия и интуиция, возможно знания! Полагайтесь на них и никуда не подглядывайте!

📝 Пишите свои варианты в комментариях, а уже завтра с утра поделимся нашими соображениями.